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Medio Oficial

miércoles, 18 de octubre de 2017

Los Olvidados review


Título original: What the Waters Left Behind

Año: 2017

Duración: 98 min.

País: Argentina

Director: Luciano Onetti, Nicolás Onetti

Guion: Luciano Onetti, Nicolás Onetti, Carlos Goitia

Música: Luciano Onetti

Fotografía: Facundo Nuble

Reparto: Mirta Busnelli, Gustavo Garzón, Agustín Pardella, Victoria Maurette, Victorio D’Alessandro, Damián Dreizik, Paula Brasca, Paula Sartor, Chucho Fernández, German Baudino, Evan Leed, Tamara Garzón


Un slasher de alto voltaje.

El slasher es un género inventado hace muchos años. Sin remontarnos a sus inicios, allá por los años sesenta, tenemos que recordar la mítica La Matanza de Texas (The Texas Chain Saw Massacre. Tobe Hooper, 1974) como una de las pioneras de la concepción más moderna del término y que inició un camino de no retorno. De la misma han bebido innumerables obras, pero su elevación a la categoría de obra maestra, la hacen un producto único e insuperable.

Los Olvidados de los hermanos Onetti, camina en la misma dirección en cuanto a truculencia e historia escabrosa. Intentar acercarse a lo comentado anteriormente parece algo arriesgado, cuando no suicida, pero las imágenes que paulatinamente van apareciendo en pantalla te dejan mal cuerpo. Suponemos que ese fue uno de los objetivos iniciales del proyecto.


La historia tampoco es que sea muy original. Se mueve dentro de las premisas clásicas de ese tipo de cine, aunque guarda un golpe de efecto final que nadie se espera. Que encaje o no es otra guerra, lo que consigue es dejarnos descolocados, cosa por otra parte de agradecer pues limpia un poco un ambiente cargado de sangre y vísceras desparramadas.

Un grupo de personas, que se dirigen a la devastada Epecuen para rodar un documental sobre como las aguas se tragaron la ciudad y sus alrededores, quedan varados a causa de una avería en su vehículo. Pronto se darán cuenta de que tienen más de un indeseable vecino.

Los hermanos Onetti parece que han abandonado el giallo con el que iniciaron su carrera cinematográfica. Tenemos que hacer mención a Sonno Profondo de 2013 y Francesca de 2015 (a la cual rinden homenaje en la cinta que analizamos hoy), dos productos que a pesar de beber de los clásicos, supusieron un soplo de aire fresco.

Sin aportar mucha novedad en esta ocasión, el estilizado y bien construido guion logra que enseguida nos adentremos de lleno en un relato de puro terror. Su buen ritmo nos lleva de la mano, introduciendo en medio del horror unas historias paralelas que tampoco son excesivamente originales, pero ¿a quién le importa?, unos impactantes efectos especiales y de maquillaje nos introducen en un mundo donde la locura parece ser la cosa más natural del mundo.

Destacar la música a cargo de Luciano Onetti. Se mueve entre las clásicas orquestales y el rock sinfónico. La primera es totalmente acorde con una cinta de estas características. La segunda resulta algo chocante pero tremendamente efectiva.


Al ser una obra muy coral, es difícil destacar a los protagonistas. No obstante nombrar a Victoria Maurette, Victorio D’Alessandro, Mirta Busnelli y Gustavo Garzón.

El secreto de Marrowbone review


Título original: El secreto de Marrowbone

Año: 2017

Duración: 110 min.

País: España

Director: Sergio G. Sánchez

Guion: Sergio G. Sánchez

Música: Fernando Velázquez

Fotografía: Xavi Giménez

Reparto: Anya Taylor-Joy, Charlie Heaton, Mia Goth, George MacKay, Kyle Soller, Tom Fisher, Robert Nairne, Matthew Stagg, Nicola Harrison, Laura Brook


Una película técnicamente redonda.

La nueva “superproducción” española viene de la mano de Sergio G. Sánchez, conocido guionista en el territorio español por escribir películas como El orfanato, Lo imposible o Palmeras en la nieve y que tras dirigir la TV movie, Las manos del pianista, se lanza con un ambicioso proyecto escrito por él mismo.


Con la ausencia del padre y al morir su madre, una familia compuesta por cuatro hermanos se verán obligados a refugiarse del mundo en su remota granja hasta que el mayor de todos ellos cumpla la mayoría de edad y de ésta manera poder hacerse cargo legalmente del resto de los hermanos y mantener así a todos ellos unidos. Para lo que no están preparados es para volver a ser atormentados por la parte más oscura de su pasado.

Rodada en Asturias bajo producción española sigue la fórmula de películas como Lo imposible (2012) que combina un equipo técnico formado mayoritariamente por profesionales del país con conocido actores de habla anglosajona para de esta manera internacionalizar la película a mercados extranjeros. Actores en este caso jovencísimos por la temática del film como son el inglés George Mackay, quien podéis recordar por su papel en Captain fantastic. Anya Taylor-Joy magnífica como Thomasin en The Witch o Mia Goth en la socialmente reivindicativa The Survivalist.

El global del film se puede traducir en una obra que ha tratado de cuidar hasta el límite y al mínimo detalle la calidad de cada uno de los apartados técnicos que intervienen, muestra de ellos es la estupenda banda sonora interpretada por la Orquesta sinfónica del principado de Asturias a los mandos de Fernando Velázquez. La fotografía del experimentado Xavi Giménez que con su larga carrera en las espaldas es más fácil preguntarse en qué no ha trabajado que en lo que sí. Unos responsables del atrezzo y vestuario que visten la historia exageradamente bien, unas localizaciones idílicas y unos escenarios como los de la casa que forman un personaje propio dentro de la historia. En definitiva, un ejemplo de obtención de resultados con un presupuesto digno de una película de peso.

Llegado a este punto parece que esté hablando de una película totalmente redonda, incluso perfecta, pero más allá de todo el reconocimiento al apartado técnico en especial, estamos ante una historia que no nos resulta nueva, sorprende que un guionista con antecedentes tan positivos haya decidido contar sin errores de guion, eso sí, una historia que nos recuerda incluso en su giro más importante, tanto y tanto, a un conjunto de películas muy conocidas todas ellas, incluyendo clichés y situaciones muy quemadas ya. Por ello, esta película que podría representar un estandarte como la película española referente de este año, pasa a ser una película a disfrutar por aquellos que no tengan un bagaje en el cine representativo como para no ver todos esos indicios y similitudes con otras historias que a uno le cantan el final.

martes, 17 de octubre de 2017

Strangled review


Título original: A Martfüi Rém

Año: 2017

Duración: 118 min.

País: Hungría

Director: Árpád Sopsits

Guion: Árpád Sopsits

Música: Márk Moldvai

Fotografía: Gábor Szabó

Reparto: Károly Hajduk, Gábor Jászberényi, Zsolt Anger, Péter Bárnai, Zsolt Trill, Zsófia Szamosi


Atroces asesinatos en un mundo frío.

Cuando nos disponemos a ver un film que trata sobre serial killers nuestra mente ya dibuja una historia turbia y oscura, con los aditivos conocidos de sangre, gritos y algo de gore. Estamos, para variar, ante una nueva visión de este tipo de films. Tiene la particularidad que está ambientada en la Hungría socialista de los años sesenta. La carga política está bien presente, ya que “el aparato” gubernamental no estaba para muchos romances y tan pronto estabas arriba como picando piedra. Ese terror, en el sentido más social de la palabra, hacía que la eficacia, en este caso policial, se forzara hasta límites insospechados, tanto que no se dudaba en cargar sobre las espaldas del primero que pasara por allí todo tipo de crímenes.


Tampoco hay que irse a los países del Este, en nuestro suelo patrio, en épocas no tan remotas, la pretendida y legendaria eficacia policial iba por el mismo camino y, supongo que estaréis de acuerdo conmigo, que de socialista no tenía nada.

Pero vamos a hablar de cine, que de eso se trata. Strangled es una gran película que sabe dibujar todo lo antedicho con un gran ritmo que para nada cansa al espectador. Los personajes están muy bien dibujados, mostrándonos una sociedad muy encorsetada por las circunstancias. Tampoco abusa de las escenas escabrosas, que también las hay. Nos las planta como una secuencia más, sin encarnizarse en los detalles, cosa que a los amantes de lo más sangriento los puedes tirar para atrás.

Una serie de atroces asesinatos asolan la pequeña ciudad de Martfü. El causante de todo ello es un asesino que viola y mata a mujeres jóvenes. Un detective se hace cargo del caso, teniendo que soportar la presión por parte del fiscal que quiere a toda costa que el caso se resuelva. Las prisas son malas consejeras y a pesar de las evidencias de tomar un camino equivocado, la investigación se atasca a causa de una tupida red de intrincadas conspiraciones.

Tenemos que destacar el gran guion cuya autoría recae en el mismo Árpád Sopsits. La soltura con que nos muestra una historia algo complicada, la hace muy comprensible y entretenida.

Como punto negativo, la algo floja representación de unas atrocidades que se quedan solo en lo simbólico. Por otra parte, tampoco juega a su favor la excesiva explicación de los motivos del asesino.


En las interpretaciones nos encontramos con un gran Károly Hajduk en el papel de asesino en serie. A Gábor Jászberényi le toca bailar con la más fea. Zsolt Anger es el policía bueno. Péter Bárnai es un agresivo fiscal. Zsolt Trill es el policía malo y en la parte femenina tenemos a Zsófia Szamosi.

The Maus review


Título original: The Maus

Año: 2017

Duración: 90 min.

País: España

Director: Yayo Herrero

Guion: Yayo Herrero

Música: The Youth

Fotografía: Rafael Reparaz

Reparto: Alma Terzic, August Wittgenstein, Ella Jazz, Aleksandar Seksan, Sanin Milavic


Una muestra de la crueldad humana.

Estamos ante otro claro ejemplo del buen momento que está viviendo el cine de terror español. Lo más destacable de este caso es que estamos ante un debut en el largometraje. Cuando veo surgir nuevos talentos en nuestro cine vuelvo a creer que el género de terror aún tiene mucho que decir.


Para Selma y Alex los problemas empiezan cuando en medio de un viaje a un denso bosque situado en Bosnia Herzegovina se les estropea su coche. Mientras Alex intenta buscar ayuda, Selma recordando viejos fantasmas del pasado decide aferrarse a su amuleto. Es entonces cuando una presencia misteriosa empezará a acecharles.

Yayo Herrero debuta como director y guionista, aunque con sus cortometrajes ya se había conseguido labrar una merecida reputación tras cosechar varios premios por diferentes festivales.

Realmente es una apuesta arriesgada la del director asturiano, pues lo fácil para un debut es centrarse en un solo género, pero este no es el caso de The Maus. Estamos ante una cinta de terror, pero contiene claros elementos del fantástico, thriller y una carga política y social elevada, aunque esta quede oculta tras el velo de los demás géneros.

Y es aquí, esta mezcla de géneros, donde puede ser que falle esta cinta, pues creo que es una apuesta muy ambiciosa la de Herrero, el querer unir todo esto en su película. Lo que la convierte en algo que alejará al público más asiduo al cine comercial.

Otro pequeño detalle que no hace redonda a esta producción son sus interpretaciones, no acabas empatizando con la situación de los personajes, les falta carisma, o simplemente echamos de menos que se profundice un poco más sobre sus personalidades. Puede que este punto, acabe por sacar a más de un espectador de la película, pero esto es tan solo un pequeño hándicap dentro de una interesante propuesta que va más allá de sus personajes. Pues si bien no estamos ante un film para todo tipo de público, sí que pienso que esta es una de las propuestas de género más interesantes de esta temporada.


Personalmente me gusta su apuesta y el cómo consigue transmitir ese terror gracias al juego de cámara, el cual siempre sigue a los dos protagonistas y muchas de las acciones suceden fuera de plano o planos desenfocados. Sin necesidad de usar los famosos jump scares, que tan de moda están y tanto odio, The Maus consigue que tras finalizar su visionado acabes con un mal cuerpo digno de las grandes cintas de terror. En el apartado técnico hay unas secuencias dentro de un bunker que son increíbles.
lunes, 16 de octubre de 2017

Estreno del tráiler de TRAUMA, uno de los films más extremos y controvertidos de los últimos años


Trauma de Lucio A. Rojas cuenta la brutal historia de un grupo de mujeres acosadas por dos hombres, cuya maldad proviene del oscuro pasado de Chile en un film que ha despertado gran controversia entre quienes lo han visto.

Trauma, de Lucio A. Rojas, tendrá su premiere mundial a fines de octubre en el Mórbido Fest de México y desde ahí comienza su recorrido en festivales internacionales (TerrorMolins). La película presentó un avance en la última versión del Festival de Cannes, en Blood Window de la Marché du Film, que tuvo una gran recepción en los asistentes y que impactó por la extrema violencia y crudeza de sus escenas.

Trauma es un rape & revenge y ahonda en el oscuro pasado del austral país latinoamericano con la historia de cuatro jóvenes mujeres que son atacadas por un perturbado hombre y su hijo en un paseo de fin de semana. Está protagonizada por Catalina Martin, Daniel Antivilo, Macarena Carrere, Ximena del Solar, Felipe Ríos, Dominga Bofill, Alejandro Trejo, Max Torres, Claudio Riveros y Eduardo Paxeco.

Según explica Lucio A. Rojas: Trauma una película cruda, dura, violenta, dramática. Si bien por algunos elementos que tiene el film podría acercarse al cine de explotación, fuimos un poco más allá. Unos villanos que no proceden del presente, sino de otras épocas de la historia de Chile. El contenido es extremo, visceral, estrictamente para mayores de 18 años. Pero era la única forma de contar una historia de este tipo”.

Trauma fue filmada entre noviembre y diciembre de 2016, es la tercera película de Lucio A. Rojas, cuyo anterior filme, Sendero, tuvo su premiere internacional en el Festival Internacional de SITGES en 2015 y se estrenó mundialmente en Netflix a mediados de diciembre de 2016.


Arder review


Título original: Arder

Año: 2017

Duración: 62 min.

País: España

Director: David González Rudiez

Guion: David González Rudiez

Fotografía: David González Rudiez

Reparto: Asier Hernández, Aránzazu Zárate, Carlos Algaba


El silencio más perturbador.

Antes de empezar, dar un pequeño manual de uso antes de su visionado. Id bien descansados y sin nada de sueño. No es por nada, pero los únicos sonidos que oiréis son, aparte de los vuestros, los que ocurran en la sala o dónde sea que la veáis.

Explicar una historia sin que se escuche ni una mosca hace que una parte de nuestro cerebro quede huérfana, haciendo que se agudice el único sentido que nos queda al ver un film: la vista. En este sentido la variedad cromática es más bien escasa, ya que está rodada casi en su totalidad en blanco y negro. Digo casi puesto que se introducen matices rojizos, azules y verdes. Como estáis comprobando, todo un experimento.


Estamos ante una historia de redención, de flagelación y de auto-castigo. Introduce temas religiosos como una especie de misa urbana ofrecida por un ser perdido en los suburbios de la gran ciudad, que arrastra una culpa por algo que ocurrió en su pasado. Ese uso de la mística cristiana hace que todo resulte más próximo, aunque nos tememos que es un recurso para hacer todo más inteligible al atónito espectador.

Podríamos considerar que Arder es el debut en el largometraje de David González Rudiez. La duración del mismo queda en el límite de clasificarlo así. Con anterioridad su carrera se ha desarrollado en el mundo del cortometraje. La apuesta para empezar es bastante arriesgada. No utilizar uno de los elementos básicos de todo film tiene que compensarse con las imágenes, cosa que consigue en parte.

Un vagabundo camina por el lateral de la M30 viendo pasar el tráfico infinito. Inicia una serie de rituales como queriendo alejar de su mente un pasado que le atormenta. En sus bolsillos un mapa, una brújula rota, un dado con poderes, una piedra mágica y una pila de botón que siempre refleja la luna llena.


En las interpretaciones nos encontramos con Asier Hernández como protagonista principal. Su físico encaja perfectamente en lo que el director quería reflejar, un ser vagando en un espacio cerrado y claustrofóbico a pesar de estar rodada íntegramente en exteriores. Le secundan, aunque en papeles muy menores, Aránzazu Zárate y Carlos Algaba.

Errementari review


Título original: Errementari

Año: 2017

Duración: 96 min.

País: España

Director: Paul Urkijo

Guion: Asier Guerricaecheverría, Paul Urkijo

Música: Pascal Gaigne

Fotografía: Gorka Gómez

Reparto: Eneko Sagardoy, Itziar Ituño, Josean Bengoetxea, Gorka Aguinagalde, Urko Olazabal, Kandido Uranga, Almudena Cid, Ramón Aguirre, Gotzon Sanchez


Historia entrañable, gran reparto y técnicamente excelente.

Si podemos calificar esta película en una sola palabra sería: arriesgada. Rodar un largometraje de género fantástico en este país ya es difícil de por sí, hay bastante legión de seguidores y una tradición más que respetable repleta de grandes nombres, pero no somos un número tan grande como para surtirnos de películas de terror y fantástico con toda la asiduidad que nos gustaría. Pero es que además Errementari va un paso más allá adaptando un cuento popular de la Euskadi profunda y además rodándola en euskera antiguo dándole un toque más de autenticidad, pero hay que reconocer que no sería un plato apetitoso para un público generalista acostumbrado a un cine más accesible. Pero una vez vista podemos decir que no verás una película hecha con más mimo, cariño y pasión este año que esta.


A mediados del siglo XIX, en la profundidad de Álava, cuentan que en medio del bosque vive un herrero tan fuerte y despiadado que el mismo diablo le tiene miedo. Pero una niña que no teme a nada entrará en su forja para buscar a su muñeca perdida.

Como decía, en esta cinta verás el corazón de sus creadores, no hay una sola toma que no se haya meditado, comprobado y perfeccionado, y ya no hablamos en el plano técnico en el que ahondaremos más tarde. En términos argumentales, el film que cuenta con recursos presupuestarios limitados es todo lo buena que podría llegar a ser, y eso no es poco. No hablamos de una cinta de Marvel que cuenta con 250 millones de presupuesto. Aquí lo que tenemos es sobrado talento y los recursos justos para hacerlo. Es por ello que la historia corre con pocos escenarios, apenas tres o cuatro, pero es la misma historia que orgánicamente va oscilando de un lugar a otro, además que el surtido de personajes no es muy elevado pero suficiente para no quemar la imagen con cada uno de ellos.

Errementari es un cuento antiguo de no más de dos páginas con el suficiente potencial para expandir su historia y añadir nuevos elementos, dirigida por Paul Urkijo quien también escribe el guion con la colaboración de Asier Guerricaecheverría. El director, con varios exitosos cortometrajes a su espalda, como El bosque negro (2015) o Jugando con la muerte (2011) ya tenía un estilo muy particular que se ve expandido en Errementari, una técnica muy marcada en el director vasco, con toques de Jim Henson, Terry Gilliam y Alex de la Iglesia. El diseño de arte, la producción, la fotografía, la iluminación (utilizando más el fuego que los focos), la ambientación... todos los aspectos técnicos de la película están a un nivel asombroso. Especial mención a las escenas que ocurren dentro de la forja. Protagoniza el veterano Kandido Uranga (Bosque de sombras) como el herrero antihéroe, su corpulencia y profunda voz hacen de él el actor perfecto para el papel, después está la joven debutante Uma Bracaglia con una interpretación asombrosa mostrando su faceta más encantadora a la vez que es indudable la mala leche que se gasta el personaje. Destacar también el trabajo de Eneko Sagardoy (The Night Watchman. La Mina), sin revelar a quien interpreta el trabajo que hace con la voz que proyecta es genial.