Título original: Psychopaths

Año: 2017

Duración: 85 min.

País: Estados Unidos

Director: Mickey Keating

Guion: Mickey Keating

Música: Shayfer James

Fotografía: Mac Fisken

Reparto: Ashley Bell, Jamie Ann Burke, Larry Fessenden, Angela Trimbur, Mark Kassen, Helen Rogers


Los psicópatas más sangrientos.

La idea de unir una serie de psicópatas en un film no es nueva. En 2012 ya pudimos ver Siete Psicópatas (Seven Psychopaths. Martin McDonagh), aunque el que iba preparado para ver todo tipo de atrocidades quedó bastante defraudado. No obstante, su aire desenfadado y de comedia salvaba los muebles.

Psychopats es todo lo contrario. De gracia no tiene ninguna, teniendo que apechugar el sufrido espectador con una historia algo deslavazada y a ratos incongruente, aunque en ocasiones nos hará mirar para otro lado.


Mickey Keatin es una estrella en ascenso en el mundo del cine de terror indie gracias a títulos como Carnage Park y Darling. En Psychopaths nos presenta una narración con una serie de horribles escenas de violencia y brutalidad, así como un musical compuesto de números de canciones y bailes. El resultado es sorprendente gracias a la experiencia estilística del cineasta, el amor al medio ambiente y el ambiente fresco y retro de los años setenta que harán que los espectadores de cierta época sientan nostalgia de los días de grindhouse de su juventud.

Ante nuestros ojos van pasando unas escenas que intentan provocarnos. La idea es original. Un grupo de psicópatas que no se conocen entre sí la lían parda, en una noche que parece que no va a acabar nunca. El dibujo de estos seres algo desquiciados es demasiado simple, tanto que llega un momento en que no sabemos quién es psicópata y quién no, y no es que nos caigan simpáticos dicho de otra manera. En el origen un discurso apocalíptico, que no acaba de convencer. No penséis que estos angelitos sean unos seres desvalidos, al contrario, cualquiera de ellos podría entrar en el Hall of Fame de la truculencia y, habéis acertado, el uso de máscaras eleva bastante ese sentimiento terrorífico.

Varios psicópatas causan estragos en el transcurso de una noche llena de violencia.

El guion obra de Mickey Keating no es un ejemplo de claridad, no porqué busque algo metafísico, sino porqué se pierde entre tanto personaje. Da la impresión de que esté acabada a toda prisa. De eso dan fe sus escasos 85 minutos que, todo sea dicho, se nos hacen un pelín largos.

La música de Shayfer James es todo un acierto, ayudando a la digestión de un film que no pasará a la historia del cine de terror, pero que cumple con los requisitos mínimos exigidos por un público ávido de escenas fuertes.


En el reparto nos encontramos con Ashley Bell (El Último Exorcismo y Carnage Park), Jamie Ann Burke (C.S.I.) y Larry Fessenden (Southbound y Most Beautiful Island).

Título original: Happy Death Day

Año: 2017

Duración: 96 min.

País: Estados Unidos

Director: Christopher Landon

Guion: Christopher Landon, Scott Lobdell

Música: Bear McCreary

Fotografía: Toby Oliver

Reparto: Jessica Rothe, Israel Broussard, Ruby Modine, Rachel Matthews, Charles Aitlken, Jason Bayle, Phi Vu, Donna Duplantier


Divertidamente gamberra.

Es de recibo aprovechar el párrafo de introducción de esta review para hablar de una película, que sin rubor alguno se basa Feliz Día de tu Muerte. Es evidentemente Atrapado en el tiempo (1993) dirigida por el recordado Harold Ramis, un día que se repite una y otra vez excepto para su protagonista, un perfecto Bill Murray, que consciente de este bucle hará realidad todo deseo que se le pase por la cabeza sin repercusión alguna. Dudo que haya aquí alguien que no sepa de qué película hablo. En Feliz Día de tu Muerte se mete en el mismo juego añadiendo el elemento slasher, pero sinceramente, no le llega a la suela de los zapatos al clásico de los noventa.


Tree es una universitaria egoísta y mentirosa. Durante el día de su cumpleaños la pobre chica es asesinada por un enmascarado. Cuando todo parecía llegar a su fin Tree vuelve a despertar una y otra vez en el mismo día y siempre acaba muerta. Llega a la conclusión de que debe sobrevivir para poder romper la maldición.

La película es comedia con algunos puntos muy leves de terror, la nueva producción de Blumhouse busca principalmente un público adolescente con los comportamientos que eso conlleva, ¿a qué quiero llegar con esto? Pues que si ya estás en tus treinta para arriba no conectarás con los personajes, pues sus reacciones son, por le general, bastante tontas. Pero no lo digo como punto negativo, es solo para prepararte. Donde sí que veo que se podría haber mejorado bastante es en el tema sangriento, no recuerdo en toda la película una sola escena decente en ese aspecto, se basa totalmente en el desarrollo de la historia y nada en elaborar momentos potentes.

Dirige Christopher Landon, un veterano de esta página, pues ha dirigido Paranormal Activity: Los señalados y Scouts Guide to the Zombie Apocalypse, y escrito varias entregas de Paranormal Activity y Viral, todas ellas en la biblioteca de la web, en términos de dirección con un aire de continuidad respecto a Scouts Guide. Pero quien firma el guion de esta es, sorprendentemente, Scott Lobdell, que aunque ya ha firmado algunos guiones cinematográficos es en el mundo del cómic donde ha marcado una época, responsable de la mejor época de los Xmen y grandes etapas en DC Comics. Todo el protagonismo de la cinta se la lleva Jessica Rothe (The Tribe, Parallels) con un personaje desagradable que produce repulsa al espectador, y como esa era la intención que se quería transmitir al espectador, pues supongo que buen trabajo por la chica, porque lo clava. Quien sí que está brillante es Ruby Modine, que lleva su personaje de pija hasta tal extremo que cada frase dicha por ella es brillante en términos de comedia. Sin duda de lo mejor de la cinta.

Productor, director y guionista. Nació en Azul (Argentina) el 11 de febrero de 1981. Produjo Sonno Profondo (2013) y Francesca (2015), obteniendo el premio a Mejor Diseño de Producción. Junto a Luciano ganaron el Primer Concurso de Cine Fantástico organizado por el I.N.C.A.A. y a finales del 2016 filmaron Los Olvidados en las ruinas de Epecuén. El trailer de la película fue estrenado mundialmente en el Festival de Cannes y la película tuvo su premiere mundial en el Festival de Sitges.

Entrevistamos al director de Brawl in Cell Block 99, S. Craig Zahler (CZ) su segunda cinta tras Bone Tomahawk (2015) pero con una carrera de guionista muy peculiar ya que en sus primeros trabajos lo hacía como escritor fantasma, los firmaba otra persona, hasta que en 2011 debutó como guionista oficial con The Incident. Charlamos también con su protagonista Vince Vaughn (VV), habitual en comedias familiares que, de un tiempo a esta parte, ha virado su carrera a papeles más dramáticos y extremos, como es este caso.

Empezaste con un western violento, ahora toca una película carcelaria también con alta carga de violencia, ¿qué vendrá después?
(CZ) Primero más violencia y después un poco menos de violencia (ríe). Lo que trato de decir cuando escribo este tipo de películas es mostrar un amplio espectro de comportamientos humanos, suele tener comedia, algo de terror. Si lo escribes correctamente puedes mostrar la tristeza en los personajes frente a su situación, estos aspectos los he llevado un poco más al límite en Brawl in Cell Block 99, las escenas dramáticas creo que salieron bastante bien y estoy orgulloso de ellas. Creo que la violencia está muy bien para conseguir llegar un poco más allá, y la mezcla de todo esto sale algo totalmente nuevo, que es lo que yo busco cuando veo una película. En esta película hay mucha violencia, pero hay mucho más. Mi próxima película para el año que viene que se llamará Dragged Across Concrete, que tendrá a Vince Vaughn y Mel Gibson. Acabamos el rodaje hará unas tres semanas, en ella tendremos mucha violencia, pero también tendremos un argumento algo complicado que se compondrá de ocho personajes. Pero para mí siguiente película sí que tendrá mucha menos violencia. Resumiendo, la violencia es una herramienta para conseguir algo emocionante, algo catártico o incluso algo repulsivo.


Para Vince, ¿puedes hablarnos un poco de tu personaje?
(VV) Es un personaje con mucho dolor, probablemente fue víctima de abusos, fue alcohólico, pero ahora está sobrio. Se ha estado medicando, pero ha habido drogas y alcohol en algún momento. Tiene mucha rabia y mucho dolor, pero no quiere hacerle daño a nadie. Es una vida que ha dejado atrás y solo quiere cosas buenas ahora. Todo el mundo hemos hecho daño a alguien de manera intencionada alguna vez, hemos sido crueles. Bradley es consciente de esa faceta, la conoce muy bien y no le gusta, de modo que tiene un mecanismo de supervivencia para estar siempre calmado, pero la rabia interna sigue estando ahí.

Sueles tener el mismo equipo técnico en tus películas y en esta y tu próxima película también mantendrás a miembros del reparto.
(CZ) Mi objetivo es crear películas de las que me sienta orgulloso. He sido seguidor de Vince Vaughn desde hace muchos años. Y es genial volver a contar con él para la próxima película, está muy bien porque te puede aparecer en un blockbuster, como en una comedia, o como en este caso, en una película mucho más oscura. Estuvimos hablando de qué visión tenía para la película, yo era un fan suyo y a él le gustó mucho Bone Tomahawk, fue un ambiente de trabajo muy agradable. A parte me rodeo de gente con mucha calidad y mucho potencial y es muy interesante ver como se adaptan en cada nueva película. Y en reparto, cuando me gusta un actor o actriz y creo que podrían encajar para la siguiente no tengo problema en repetir, Don Johnson, Udo Kier y Jennifer Carpenter repetirán en la próxima, Fred Melamed ha estado en tres de mis películas. Si haces un buen trabajo y nos lo pasamos bien en el set seguramente volveremos a trabajar juntos.

(VV) Es evidente que es un cineasta más que talentoso, no solo director, también es el compositor musical y el guionista. Tiene un estilo muy particular, además que siempre tiene cierto grado de expectación a su alrededor, pero es un gran líder y hace un gran trabajo haciendo que tú te sientas cómodo en todo el gran caos que es un rodaje. Es una persona que entiende la industria y sabe cómo resolver los problemas.


Vince, tu carrera ha estado más centrada en la comedia, pero de un par de años para acá has hecho El último hombre en pie, True detective, esta misma cinta. ¿A qué se debe este cambio de rumbo?
(VV) No ha sido una cosa buscada, son oportunidades que aparecen. No busqué que me dieran el papel de True detective y ahí al siguiente. Ahora he terminado una comedia dramática dirigida por Stephen Merchant, no es una cosa que elijas, mi trabajo es actuar y tengo que estar preparado para lo que se me ofrece. Tengo dos hijos y quiero hacer cosas que les haga sentirse orgulloso.

Muchas gracias por vuestro tiempo y felicitaros por esta gran película.

Título original: Brawl in Cell Block 99

Año: 2017

Duración: 132 min.

País: Estados Unidos

Director: S. Craig Zahler

Guion: S. Craig Zahler

Música: Jeff Herriott, S. Craig Zahler

Fotografía: Benji Bakshi

Reparto: Vince Vaughn, Jennifer Carpenter, Tom Guiry, Don Johnson, Marc Blucas, Udo Kier, Mustafa Shakir, Geno Segers, Rob Morgan, Fred Melamed, Clark Johnson, Dan Amboyer, Pooja Kumar.


Una película difícil de olvidar.

Esta película tiene nombre propio, S. Craig Zahler, director, guionista, compositor y en definitiva un director de nueva oleada que tras un tiempo detrás del papel y la pluma escribiendo guiones para proyectos para terceras personas, decidió en 2015 sorprendernos con Bone Tomahawk, estupenda película de la cual podéis leer la crítica en TerrorWeekend.com. Ahora nos presenta su nuevo proyecto Brawl in Cell Block 99, con una línea estructural muy similar al éxito de la anterior, con los originales elementos de gore sin censura que le caracterizan, una historia que se cuece a fuego lento y una ambientación que cruza géneros y se aleja del cine convencional. Ambicioso, en el buen sentido de la palabra, se ha convertido en un director a tener en cuenta para todos aquellos que nos gusta además el cine alejado de los estandartes y círculos populares de la normalidad más encasillada.


Bradley se encuentra en una situación complicada, prácticamente sin blanca no le queda mucha más opción que acudir a un viejo contacto del mundo de la droga, este corpulento hombre tratará de hacer todo lo posible para sacar a su familia adelante, pero embrutecido por este mundo ilegal dará con sus huesos en la cárcel donde tendrá que sobrevivir.

A pesar del título que invita a los espectadores que quieran ver acción desmesurada de principio a fin, comentar que esta película no sigue esos patrones estrictamente. Está claramente marcada por un ritmo templado al inicio, un ritmo que parece representar el ritmo del propio protagonista absoluto de la historia, y que aunque la situaciones se van oscureciendo el no parece perder la calma. Es de agradecer este ritmo, pues todos los atisbos de violencia extrema y gore que contiene el film se destacan especialmente pues están en un marco en el que explotar con fuerza para romper esa relajada calma.

Sorprendente el papel protagonista, que sin ser un carácter muy exigente interpretativamente hablando, hace falta un físico muy potente para dar la mala leche que este personaje reclama y Vince Vaughn, el que nos tiene acostumbrados mayoritariamente a papeles en películas de humor y divertimento en general para toda la familia, y a pesar de que encarnara a Norman Bates en Psycho, el remake dirigido por Gus Van Sant en 1998, sorprende en esta nueva interpretación como a un  tipo al que no te quisieras cruzar por la vida, él es media película y se tiene que mencionar. El resto de elenco son correctos en su mayoría, pero con poca participación en la historia como podría ser el caso de Jennifer Carpenter, Tom Guiry o Udo Kier.

Título original: Revenge

Año: 2017

Duración: 108 min.

País: Francia

Director: Coralie Fargeat

Guion: Coralie Fargeat

Música: Rob

Fotografía: Robrecht Heyvaert

Reparto: Matilda Anna Ingrid Lutz, Kevin Janssens, Vincent Colombe, Guillaume Bouchede

¡Sin concesiones! Una salvajada total.


Estamos ante un nuevo rape & revenge, uno de los subgéneros del terror más prolíferos y el cual creo que es una navaja de doble filo. Pues por una parte, ¿a quién no le gusta ver como una mujer cobra venganza de la manera más cruel posible de sus asaltantes? Aquí es donde el gore prima y con cada salpicón de sangre hacia la pantalla puede desatar aplausos del público. Por otra parte, estamos ante un subgénero realmente plano, no hay más que ir de A hacia B y de B hacia el desenlace, por eso muchos fans del terror tal vez pidan un algo más que tan solo una simple venganza.


Jen y Richard llegan en helicóptero a su nido de amor, una espectacular casa en mitad de la nada. Pronto descubriremos que Richard es un hombre casado y Jen simplemente el ligue para pasar el rato. Todo esto se complicará aún más cuando aparezcan en escena Stan y Dimitri, los amigos de Richard, los cuales quieren unirse a la fiesta. Todo acaba muy mal y tras un intento de huida por parte de Jen, ésta acaba al final de un precipicio... Pero en esta trágica historia esto es solo el principio.

Coralie Fargeat escribe y dirige Revenge, la cual significa su ópera prima, después de haber dirigido varios cortometrajes. Toda una sorpresa y de agradecer el volver a ver una cinta de estas características tan potente, como de seguro icónica a partir de hoy mismo. A pesar de como dije antes la historia es simple, porque realmente este tipo de films es que no tienen gran cosa que contar, pero es tanta su potencia visual, su ritmo, su protagonista, que consiguen atraparte desde el minuto 0 y no es hasta que salen los títulos de crédito que te das cuenta que has estado gozando del mejor rape & revenge durante casi 2 horas de metraje, las cuales pasan en un suspiro.

Lo que está claro que no puedes empezar a ver Revenge, y buscarle un guion profundo, o unas interpretaciones de Oscar, señores estamos ante una película fantástica de terror, está claro que una muchacha de apenas 50 kilos y herida no va a reventar a cuatro tíos fornidos y mejor equipados que ella, pero es tanto el divertimento que Fargeat nos propone con su ópera prima que todo esto para mi pasa a un segundo plano.


A parte del BRUTAL trabajo de su directora, quiero destacar otro nombre, Robrecht Heyvaert, director de fotografía, consigue que un paisaje yermo se convierta en toda una jungla de colores. Es brutal el trabajo de este señor, el cual ya pude disfrutar de su fotografía en otro film que recomiendo encarecidamente, la belga, D'Ardenne, un thriller oscuro y sin concesión alguna.

Título original: What the Waters Left Behind

Año: 2017

Duración: 98 min.

País: Argentina

Director: Luciano Onetti, Nicolás Onetti

Guion: Luciano Onetti, Nicolás Onetti, Carlos Goitia

Música: Luciano Onetti

Fotografía: Facundo Nuble

Reparto: Mirta Busnelli, Gustavo Garzón, Agustín Pardella, Victoria Maurette, Victorio D’Alessandro, Damián Dreizik, Paula Brasca, Paula Sartor, Chucho Fernández, German Baudino, Evan Leed, Tamara Garzón


Un slasher de alto voltaje.

El slasher es un género inventado hace muchos años. Sin remontarnos a sus inicios, allá por los años sesenta, tenemos que recordar la mítica La Matanza de Texas (The Texas Chain Saw Massacre. Tobe Hooper, 1974) como una de las pioneras de la concepción más moderna del término y que inició un camino de no retorno. De la misma han bebido innumerables obras, pero su elevación a la categoría de obra maestra, la hacen un producto único e insuperable.

Los Olvidados de los hermanos Onetti, camina en la misma dirección en cuanto a truculencia e historia escabrosa. Intentar acercarse a lo comentado anteriormente parece algo arriesgado, cuando no suicida, pero las imágenes que paulatinamente van apareciendo en pantalla te dejan mal cuerpo. Suponemos que ese fue uno de los objetivos iniciales del proyecto.


La historia tampoco es que sea muy original. Se mueve dentro de las premisas clásicas de ese tipo de cine, aunque guarda un golpe de efecto final que nadie se espera. Que encaje o no es otra guerra, lo que consigue es dejarnos descolocados, cosa por otra parte de agradecer pues limpia un poco un ambiente cargado de sangre y vísceras desparramadas.

Un grupo de personas, que se dirigen a la devastada Epecuen para rodar un documental sobre como las aguas se tragaron la ciudad y sus alrededores, quedan varados a causa de una avería en su vehículo. Pronto se darán cuenta de que tienen más de un indeseable vecino.

Los hermanos Onetti parece que han abandonado el giallo con el que iniciaron su carrera cinematográfica. Tenemos que hacer mención a Sonno Profondo de 2013 y Francesca de 2015 (a la cual rinden homenaje en la cinta que analizamos hoy), dos productos que a pesar de beber de los clásicos, supusieron un soplo de aire fresco.

Sin aportar mucha novedad en esta ocasión, el estilizado y bien construido guion logra que enseguida nos adentremos de lleno en un relato de puro terror. Su buen ritmo nos lleva de la mano, introduciendo en medio del horror unas historias paralelas que tampoco son excesivamente originales, pero ¿a quién le importa?, unos impactantes efectos especiales y de maquillaje nos introducen en un mundo donde la locura parece ser la cosa más natural del mundo.

Destacar la música a cargo de Luciano Onetti. Se mueve entre las clásicas orquestales y el rock sinfónico. La primera es totalmente acorde con una cinta de estas características. La segunda resulta algo chocante pero tremendamente efectiva.


Al ser una obra muy coral, es difícil destacar a los protagonistas. No obstante nombrar a Victoria Maurette, Victorio D’Alessandro, Mirta Busnelli y Gustavo Garzón.